“后时尚时代”等你来打卡

2021-04-28 姚瑶


“后时尚时代”展览海报

魅惑,又极具颠覆性。上海摄影艺术中心成立五周年特别展览“后时尚时代”在本土疫情高峰后的春夏之交于西岸拉开帷幕(展期2020.4.11-7.25),立即吸引了到这片滨江艺术区度周末的时髦青年们前来“打卡”。为保障观众的社交距离,馆方采取限流措施,五一小长假期间观众更在馆外排起长龙。时尚摄影似乎天然有一种公共性,杂志、广告牌、商店橱窗是它们惯常出现的地方,都市人的视线原本就难以避开;而这居然还不够,时尚或摄影爱好者们又一路追随,走进博物馆空间观看这些时尚摄影。依然是服饰与美容,名流、超模,不过策展人娜塔丽·赫斯多佛(Nathalie Herschdorfer)此次遴选的每组作品都超越了观众对时尚摄影或美的认知。这是一场超乎想象的时尚摄影展,到现场的观众必将不虚此行。


“后时尚时代”展览现场




微信图片_20210428083937.jpg过去、现在和时装,迪奥,2001,尼克·奈特 © Nick Knight



与标题并列的展览主视觉由尼克·奈特(Nick Knight)为亚历山大·麦昆(Alexander McQueen)品牌拍摄的大片担纲,美女与蟒蛇,再有这两位英国时尚产业传奇人物的加持,冲击力极强。奈特以一组描绘上世纪七八十年代英格兰亚文化群体的黑白纪实摄影作品出道,后逐渐踏入时尚摄影领域,热衷于试用新技术的他很快拥抱摄影后期技术,不再满足于“摄影师”的身份,树立了“图像制造者”的新角色。他的工作室The SHOW studio也很符合他的高调作风,并将触角伸向了时尚产业的上下游,与众多设计师品牌合作,做起了电商,卖起了logo白T恤。2016年他在韩国首尔举办大型个展,题名即为“IMAGE(图像/形象)”。展览中另一幅尼克·奈特的作品则是他为迪奥Dior拍摄的大片,其行业分量可见一斑。


拉森,2016,奥丽维亚·毕 ©Dave Tacon



这个展览的作品大多以参展艺术家的单幅作品为主,小部分以五张以内的组照呈现,
这种稍显零散的选作方式似乎是来自策展人编辑书稿的思路,在一定的体量之内让观众看到更丰富多样的作品,这就对观展前后的功课提出了要求,否则很难深入了解任何一位时尚摄影家的成就。甚至,某组作品可能原本在时尚杂志中都是以组照形式出现,篇幅宽裕,但在这样一个专门展示摄影艺术作品的空间,在馆方精心挑选的墙面颜色映衬下,装裱后的摄影作品的物质性、精神性极大彰显,势必形成全新的观赏体验,观者只会嫌看得不过瘾。
 
《青少年时尚》杂志,塞巴斯蒂安·金 © Sebastian Kim / Teen Vogue

瑞士摄影史学家、该展策展人娜塔丽·赫斯多佛,曾在洛桑爱丽舍美术馆服务12年,策划过多个重要的艺术大家个展、回顾展,并与摄影展览基金会(Foundation for the Exhibition of Photography,FEP明尼亚波利斯/纽约/巴黎/洛桑)合作多年,策划有“入时:康泰纳仕百年摄影”:她从康泰纳仕集团位于时尚之都纽约、巴黎、米兰及伦敦的档案资料入手,梳理了旗下各大刊物各语言版本主编、创意总监们与时尚摄影大师们相爱相杀的历史。《Vogue服饰与美容》《Vanity Fair名利场》等时尚大刊,在编辑、造型师等团队协作下,为品牌大片委任众风格独特的摄影师。这个名单包括被誉为“时尚摄影始祖”的爱德华·斯泰肯(Edward Steichen)—1911年,他创作了或许是历史上第一幅时尚摄影作品,以及伊文·潘(Irving Penn)、赫尔穆特·纽顿(Helmut Newton)、威廉·克莱恩(William Klein)、盖·伯丁(Guy Bourdin)等不可绕过的大名字,一路见证时尚摄影从摄影棚走向街头、走向艺术的历史,同时也是时装屋和时尚杂志共同书写的时尚视觉史。自2012年起,该展览已在12个城市的机构巡展,包括柏林、米兰、爱丁堡、巴黎、莫斯科、墨西哥城、东京和台北,2017年巡展至北京UCCA尤伦斯当代艺术中心。
 
PJW508 N° 3946,2015,保罗·荣格 © Paul Jung

“后时尚时代”可能是“入时”的延续,所以,观众几乎找不到以上大师的作品—偶有重合也是慎重评估其颠覆性意义后的谨慎之举,同时,大面积地发掘当下时尚摄影艺术的后起之秀。展览艺术家名单以欧美面孔为主,包括一些移居西方的非欧美艺术家,日本、韩国摄影师也占有一两个席位,中国大陆的冯立、薛伟赫然在列,保罗·荣格(Paul Jung)实则来自中国台湾。
 
大师经典与时尚传奇
 
彼得·林德伯格(Peter Lindbergh)、保罗·罗弗斯(Paolo Roversi)的名字同时出现在两个展览中,他们不仅是同时代的佼佼者、经典的铸造者,也是打破常规的叛逆者。
 
见证超模时代的林德伯格,让她们仅仅穿着男士白衬衫,在沙滩上用自然光抓拍她们的一颦一笑,无需浓妆艳抹或矫揉造作的姿势,照片只剩黑白灰颗粒,拒绝后期雕琢、拒绝影棚灯光,是美人们就光彩照人。这种天然去雕饰的作风与去年离开人世的彼得·林德伯格的低调为人如出一辙,仿佛行业内的一股清流。他也几乎从来不出席任何时尚活动,日常衣装以T恤、鸭舌帽为主,并且他与被拍摄对象们保持着朋友一般的温情,完全不同于人们对时尚圈人士孤傲势利、人情淡薄的成见。一个知行合一的叛逆者。
 
家务 #3,2008,迈尔斯·奥尔德里 © Miles Aldridge

又如保罗·罗弗斯,20世纪80年代初,宝丽来8×10英寸大画幅座机成为他得心应手的伙伴,1秒以上的曝光时间、独一无二的诗意成像,成为他的招牌;而彼时,大多数时尚摄影师只是将一次性成像的宝丽来用于正式开拍前的测光和定装(妆)。罗弗斯拍摄的着衣或裸体的女性身体或面庞,轮廓模糊,光线柔和,仿佛一幅古典肖像画,并不追求所谓的前卫、时髦和未来感。
 
尽管时尚摄影大多是关于摆姿势、布景的,但迈尔斯·奥尔德里奇(Miles Aldridge)更是将舞台式的置景摄影(staged photography)引入了他的时尚摄影实践。他的作品充满戏剧感,每一幅画面就是一部虚拟小说的情境。迈尔斯·奥尔德里奇1964年出生于伦敦,早年在中央圣马丁艺术设计学院学习插画专业,这也是他非常擅长在拍摄前绘制概念速写图和分镜头脚本的原因。他的父亲则是有名的迷幻音乐唱片封面设计师;他自己在成为时尚摄影师之前,还当过一段时间音乐录影带导演。他喜欢的电影导演比如大卫·林奇、费里尼,则直接塑造了他作品中的悬疑性风格。模特空洞的眼神、好莱坞式的布光,画面让人不禁联想辛迪·舍曼的《无题剧照》系列。
 
当代宠儿
 
展览中能够找到两幅如今炙手可热的时装摄影师尤尔根·泰勒(Juergen Teller)的作品。自上世纪80年代末开始他的职业生涯以来,他成功地在艺术界和商业摄影界游刃有余,为Celine、Louis Vuitton、Marc Jacobs和Vivienne Westwood等品牌拍摄了引人注目的时尚宣传片,并且自1996年以来,他出版了50本书籍和展览图录,模糊了他受委托的作品和个人作品之间的界限。
 
尤尔根·泰勒1964年生于德国,在慕尼黑完成学业后于1986年搬到时尚与创意之都伦敦,居住至今,职业生涯也水到渠成般顺利,品牌邀约不断,同时牵手画廊,作品被各大美术馆收藏。对时尚摄影师来说,生活、居住在一个时尚之都的确是某种必要,时尚产业资源就高度集中在那么几个城市:纽约、伦敦、巴黎、米兰,或许还有东京、首尔和上海,大量的时尚媒体从业者、造型师、图片社、经纪人、后期制作、品牌总部汇聚于此,生态融合,十分便利。展览中大多数摄影师也完成了这样一种游牧与迁徙,即向时尚之都汇集。
 
舞,花椿/资生堂,2014,张仁雅 ©Ina Jang

摄影师冯立,十年以来拍摄单一主题的系列“白夜”,他长期居住在中国西南城市成都。2017年他的作品由法国策展人苏文(Thomas Sauvin)提名,摘得集美·阿尔勒“发现奖”大奖,走向法国阿尔勒摄影节,受到世界观众瞩目。接下来,他又受到苏文邀请与启发,在巴黎时装周期间以他标志性的闪光灯捕捉巴黎街头的惊奇与诡异,“巴黎白夜”为他打开了时尚摄影的大门。如今,他的时尚拍摄业务已经由英国伦敦的图片社专门代理,频频与时装品牌、各国时尚刊物展开合作,人生开挂,走向更广阔的天地。
 
成都系统 1,2018,冯立 ©Feng Li

展览中两幅冯立的作品,被命名为《成都系统》,成都太古里设计餐厅高宅的长条形窗口,露出女模特的半身和手包,他成功地将他的时尚摄影业务带回了奢侈品消费市场潜力巨大的成都,也是一种智慧,并无意中契合了品牌的战略。
 
女性力量
 
大部分时尚图像似乎延续了男性对女性身体的观看传统,而策展人的又一颠覆性举动也许是引入了女性摄影师凝视女性身体的视角,展览中至少有四分之一女性艺术家,这在当代摄影展览中也是十分可观的比例。女性观看女性的目光,似乎也更加温柔,充满对同性的怜悯、共情;而女性摄影师与女性模特之间也达成一种十分具有默契的共谋,她们近乎是在共同创作,彼此成就。
 
荷兰艺术家、时尚摄影师薇薇安娜·萨森(Viviane Sassen)是具有天赋的杰出代表之一。她幼年在非洲肯尼亚度过,强烈的日晒、浓烈的阴影,注入她日后的摄影作品中,形成光影的鲜明对比以及造型感极强的几何块面,也明显表现出对非洲裔黑皮肤模特的偏爱。“后时尚时代”展出一组她的三联图,纸基直接固定在墙上,没有任何背板的支撑,轻盈、随气流不时摆动。画面里的人是与薇薇安娜·萨森相伴多年的缪斯、模特罗克珊(Roxane),罗克珊的同名作品集、艺术家书已经出过两辑,2012年出版的第一辑的介绍中还写道“模特在艺术家的指导下摆出一系列姿态”,2017年的第二辑已经宣称:这是两人的共同的视觉日记,是相互的肖像,艺术家和模特的个人性逐渐模糊并互换。大幅面的作品,由艺术家手工上色,透明的水彩,女性身体的局部,令人过目不忘。这又不同于杂志、屏幕的观看与传播,这时,作品的作者性、艺术品的精神性,乃至摄影的物质性都凸显出来,接近“摄影原作”的观看体验,不再是广告图片。所以,一定要看现场,在空间中,前后踱步体验作品。

《车库杂志》秋冬刊,2014,丹尼尔·桑瓦尔德 © Daniel Sannwald

瑞士摄影师阿娜伊斯·勒乌(Anas Leu)是新晋的代表,生于苏黎世、常驻巴塞尔。2017年甫毕业,就踏入了行业,成为当代摄影的新生力量。她精通数码技术,创造出不存在的图像,为她合作的美妆或鞋履品牌,带来不可思议的视觉惊奇,一反女性不擅长数码技术的刻板印象。
 
另一位天才少女要数奥丽维亚·毕(Olivia Bee),她小学时就选了暗房课,她以为要学的是视频制作,结果坠入摄影的世界。初、高中期间也一直上摄影课,获准进出暗房。15岁时,匡威(Converse)成为第一个完全信任她并展开合作拍摄的品牌。2013年,19岁的她已经为爱马仕掌镜。出名要趁早!由此可见,策展人的视野已经更新到了最新生代的时尚摄影创作者们,而没有止步于那些经典时尚摄影大师的威名。展览中一幅水下摄影作品,如梦如幻,绫罗绸缎在水中荡漾,簇拥着一位神话般的仙女,柔情似水。
 
川久保玲 ,2017 ,埃里克·麦迪根·赫克 © Erik Madigan Heck

值得一提的是,这些时尚摄影产业中的佼佼者,并未因时尚图像的大量复制而降低了其在艺术方面的造诣:试着搜索这些时尚摄影师、艺术家的名字,可以发现他们大多已被当代艺术画廊招入麾下,作品已经进入艺博会、美术馆收藏。
 
超越时尚
 
时尚品牌不断推陈出新,按照春夏、秋冬的节奏发布时尚单品,并以各大时装周为节点在全球巡回,带起全年的节奏。近年,品牌为了增加影响力和露出频次,还发明了“早春”系列,活活又多出一季。创造时尚、引领潮流的品牌、媒体,总是需要不断地寻觅令人耳目一新的艺术风格或语言来表现产品,时尚产业由此生生不息。

时尚图像不妨是在资本驱动下的对人类欲望的一种视觉化,由此产生的经典或突破性的作品也将铭刻于视觉艺术的历史之中,聪明的艺术家在获取优越生存条件的情况下,也巧妙地在商业作品中植入自己对社会的见解。
 
京剧,2016,薛炜 © Kiki Xue

策展人的展览题名无疑充满抱负,她以这样一份艺术家名单展示出不同于时尚杂志中的时尚摄影作品。她遴选的经典大师颠覆了同时代的惯例,那些当下最受追捧的创造时尚惊奇的弄潮儿早已模糊或跨越了商业与艺术的界限,那些新生力量则展现科学技术对摄影可能性的推动,而这一切都早已超越了以售卖、展示服饰与美容产品为主要目的的时尚图片的范畴。它们也已经超越了时尚,正在书写人类新的视觉历史与共同记忆,并具有了艺术品的价值。
 
图片均由上海摄影艺术中心和艺术家提供。
姚瑶,自由撰稿人。